Ato Malinda es una artista dinámica que se ha ganado fama internacional por sus “performance” y sus obras de video. Ha expuesto en importantes bienales y trienales africanas (DAK’ART, Luanda, Afriperforma, Doual’Art) así como en exposiciones colectivas en diversos museos. Finalizando el Armory Show de 2016, Ato y yo tuvimos la oportunidad de ponernos al día y hablar de su invitación a participar en Focus: African Perspectives, su experiencia de exponer en una de las mayores ferias comerciales de arte contemporáneo, y la visión para la siguiente fase de su actividad artística.
Joseph Underwood: Así que vamos a hablar un poco acerca de tu propia instalación en el Armory Show. Hay un arte estético tácito: una cabina ventilada, abierta, mucha luz ambiental, y la mesa deslumbrante con las dos sillas en el centro. Pero la primera cosa que he notado es la conformación muy intencional de su espacio. ¿Fue una decisión consciente para subvertir las expectativas? ¿Cómo llegaste a ese ordenamiento del espacio?
Ato Malinda: Fue una decisión consciente para terminar el modelo de una cabina… porque no estoy muy convencida de las ferias de arte. Es una cultura que me resulta muy difícil, porque la gente no llega realmente a comprometerse con el trabajo. Yo no soy una coleccionista, y tengo que decir que pienso que se dirige a los coleccionistas. Creo que este modelo ha resultado bien durante muchos años, pero quería crear un ambiente donde la gente pudiera experimentar mi trabajo en un espacio que era diferente. Las obras que quería enseñar no eran dibujos porque quería mostrar una obra en cuya realización empleé mucho tiempo. Mis dibujos toman tiempo para ir del concepto a la realización, pero, como se puede imaginar, los vídeos necesitan mucho más tiempo.
JU: Todo estaba oscuro desde las paredes negras y la red de arriba que bloqueaba la luz ambiente. La pared frontal presentaba un tríptico de vídeos (Prison Sex II), pero cada pantalla estaba dividida en su propio nicho, que también servía para amplificar el audio de cada pantalla. Es un diseño impresionante debido a la mínima intrusión de sonido entre pantallas. Detrás de esa pared había otras dos instalaciones de vídeo, una a nivel de los ojos y otra que requería que el espectador se agachase. La pared del fondo presentaba una serie de fotografías a contraluz. Entonces, ¿cuál era el resultado esperado en la experiencia del espectador? ¿Estás tratando de aislarles, o hacer que se sientan como que ya no están en una feria de arte?
AM: La idea de la instalación viene de la noción de salir afuera de Judith Butler, que pregunta “¿A dónde quieres salir ?» Al salir de algo, sales a un espacio que ya existe que ella llama «nuevas regiones de opacidad. «Esa imaginería provocaba una caja negra que tenía una puerta de entrada. Yo quería que el diseñador Eto Otitigbe y yo creáramos un ambiente de inmersión, para que la gente pudiera experimentar el trabajo de manera un poco más rica que sólo viéndolo en una pared y caminando de pieza a pieza. En cuanto a la pared frontal, hablé con Eto durante muchas sesiones de Skype y se le ocurrió algo que parece análogo al tema de la obra basado en la prisión de la obra. De alguna manera parece una celda, y al mismo tiempo se inspiraba en sus pensamientos sobre espacios minimalistas, y creo que también fue inspirado por el escultor Tony Smith.
JU: Mencionaste haber recibido algunos comentarios expresados sobre un neoprimitivismo, pero ¿has tenido algunas respuestas constructivas a tu instalación?
AM: Esos comentarios son fruto de la propia ignorancia de la gente, y provienen de una cultura determinada. También he recibido realmente buenas respuestas de ciertos encargados de museos. La gente parece apreciar
el hecho de que sea diferente, y es algo experimental para el entorno.
JU: Las ferias de arte son generalmente vistas como un esfuerzo más comercial que el de ofrecer conocimiento a través de la exposición. Además de los beneficios obvios de la venta de tu trabajo ¿has encontrado que exponer en este lugar ha sido constructivo para tu propia manera de desarrollar tu arte?
AM: Esta es mi primera colaboración con Eto y estamos pensando en colaborar más. Hemos creado este colectivo que somos sólo nosotros dos. Esta instalación ha sido el comienzo de la misma y, sí, como hemos recibido una tan buena reacción, vemos esta experiencia como una dirección positiva para trabajos futuros.
JU: En relación con el trabajo expuesto aquí, y tu carrera en su conjunto, parece que hay un elemento recurrente de ofuscación. Se extiende a través de varios años a partir de la serie “Prison Sex» hasta » The moment that you act as a performer, you act also as the audience of the person in front of you video”. Tu cuerpo como intérprete se modifica, se cubre o se oculta. ¿Es el esconderse uno mismo parte necesaria de la exposición?
AM: Sé que algunas personas ni siquiera usan su cuerpo. Podrían utilizar su voz por ejemplo. En cuanto a mí, yo tengo una inclinación natural a pintar mi cuerpo. Pero no puedo decirte nada más…
JU: Es interesante porque una forma prominente del arte africano es el tema de las máscaras que es esencialmente el ocultamiento de uno mismo y la asunción de un alguien exterior. ¿Tiene también tu trabajo participación en principios de ocultamiento?
AM: Cuando empecé a interpretar hace casi diez años, estaba trabajando como voluntaria con la Trust for African Rock Art, que estaba compuesta de arqueólogos que viajaban por el continente. Uno de los elementos de su investigación se centraba en chamanes que se pintaban el cuerpo y eso realmente me interpeló. En ese momento, yo sentía que estaba tratando de encontrar mi identidad, especialmente como Africana. Me parece ahora que este sentimiento es algo falso, porque es difícil para mí decir que soy solo africana. Creo que soy muchas cosas. Pero, en aquel momento, quería una autenticidad a mi rendimiento y tomé inspiración de los chamanes.
JU: ¿Cuál es el mayor obstáculo en tu trabajo en este momento?
AM: Siento que estoy tratando de hacer demasiadas cosas a la vez. La idea de crear cerámicas es una buena idea pero tal vez necesito tomar más tiempo para hacerlo. Siento como que ahora tengo menos tiempo, así que realmente estoy tratando de pasar más tiempo en el estudio.
JU: ¿Es esta la plaga del artista contemporáneo o es sólo parte de la problemática del ser contemporáneo?
AM: Probablemente lo segundo.
JU: ¿Crees que hay una cierta presión, externa o autoimpuesta, a los artistas para hacer de todo?
AM: No, no. En mi caso me entusiasmo creando y quiero hacer tantas cosas. Algunos artistas se limitan a lo que les procura dinero o a lo que conocen mejor y creo que eso es genial, pero realmente quiero aprender a trabajar la cerámica, por alguna razón. Estoy recibiendo clases en un pequeño pueblo a las afueras de Rotterdam. Es sobre todo una forma libre de trabajo,
JU: ¿De qué forma es forma libre?
AM: Depende. Varía. Mi primera pieza fue un jarrón muy fuertemente inspirado en la obra de Magdalena Odundo. En realidad, está inspirado en la investigación que hice en el Smithsonian, porque las artes cerámicas a lo largo de ambas costas del continente africano eran objetos de uso cotidiano que eran realizados principalmente por mujeres.
JU: Dime algo sobre tus próximos proyectos.
AM: Estoy trabajando con una organización llamada Co-Lab Editions, con sede en Berlín. Voy a trabajar con ellos en Copenhague durante una estancia en abril y estoy pensando en torno al tema del abuso infantil. Voy a colaborar con un científico y nos vamos a centrar en la neurociencia detrás de la memoria. Eso es todo lo que puedo decirte por el momento… pero va a culminar en una representación en directo.
JU: ¿Y tienes otra estancia en Singapur más tarde este año?
AM: Estoy trabajando con NTU CCA Singapore Residencies Program y van a ser dos meses centrados en las cerámicas. Tengo la intención de hablar con las mujeres locales y simplemente entender sus vidas un poco mejor, y luego fabricar objetos que son importantes para ellas. Por eso quiero sumergirme un poco màs en la cultura.
JU: Debido a la naturaleza itinerante del artista contemporáneo, junto con la sobre estimulación que todos recibimos como seres impulsados por la tecnología del siglo XXI, tiene que haber una panoplia de influencias y voces con las que te que te enfrentas a diario. Entre todas estas influencias, ¿consideras que tu arte es personal? En varias piezas, como “Mshoga Mpya” o “the New Homosexual” o “Prison Sex I’I” o tu próximo proyecto sobre recuerdos y el abuso infantil, parece que hay una conexión entre personas oprimidas y tu trabajo. Estoy interesado en saber si estas personas son una fuente de inspiración, o si simplemente sus historias resuenan en ti y te obligan a hablar sobre ellas.
AM: He hecho algunas piezas muy personales y otras que hablan a un público más amplio. Los relatos de los demás sin duda resuenan y hay orígenes personales, ya que, hasta cierto punto, están enraizados en ser mujer, o ser de Kenia. Pero también me gusta contar historias, o al menos tener una narrativa para cada obra. Nace de un elemento personal, pero también la necesidad de ser poética o creativa. ¿Qué otra cosa iba a hacer con mi vida? Estoy muy agradecida a Simon [Njami] por un ensayo que escribió sobre mi trabajo en el que astutamente señaló que necesito actuar. Es así de simple.
Joseph Underwood
Ato Malinda (1981, Kenia), vive y trabaja en Rotterdam. Ha realizado un Master en Bellas Artes (MFA) en el Transart Institute, Nueva York. Sus obras trabajos consisten en performances, dibujos, pinturas, instalaciónes, videos, y objetos de cerámica. A través de sus diversas actividades, Malinda investiga la naturaleza híbrida de la identidad africana, enfrentándose a las nociones de autenticidad, así como a enfoques en de género y sexualidad.
Malinda fue una de las galardonadas de la Smithsonian Artist Research Fellowship (2015) y ganó el One Minutes Award (2012) para fotografía en movimiento. Sus exposiciones individuales incluyen «Games» (2013) en Savvy Contemporary, e «Inconmensurables Identities» (2011) en Aarhus Art Building. Ha expuesto en exposiciones colectivas en el Museo für Moderne Kunst de Frankfurt am Main (2014), el Museo Nacional de Arte Africano, Smithsonian Institution (2015), Salon Urbain de Douala en Camerún (2010) y el Museo de Arte Moderno Louisiana en Copenhague ( 2015).
Another Africa
[Traducción, Jesús Esteibarlanda]
[Fundación Sur]
